El Duende Verde - Serie Limitada

El Duende Verde (Green Goblin) tiene el honor de ser uno de los enemigos más pintorescos y, al mismo tiempo, más peligrosos de Spider Man. Desde su creación, por Stan Lee y el mítico Steve Ditko en Amazing Spiderman 14, de Julio de 1964, destacó por su inteligencia, su capacidad para crear intrigas y por su capacidad para amenazar a los seres queridos de Peter Parker. Incluso produjo, según cuenta la leyenda, la separación definitiva de su equipo creador, quienes no lograron ponerse de acuerdo en cuando a su identidad secreta y, como sabemos, fue el causante de una de las muertes más trágicas de la historia de los comics, la de Gwen Stacy. Con el paso del tiempo, otros personajes adoptaron la identidad de este terrible villano, algunos con mejor suerte que otros. Sin embargo, es imposible negar la influencia de su presencia y su legado en el universo arácnido, incluso hasta en la actualidad. La presente serie limitada toma elementos de la rica historia del Duende Verde y los transforma para llevarlos a plena década de los 90's, lo que la convierte en una colección bastante atractiva, si bien con algunos sobresaltos. Pero antes de adentrarse en este trabajo, repasemos brevemente la vasta historia de este personaje.

Dinastía Maligna

Al momento en que aparece esta serie, tres personas (o en realidad cinco o seis??) han utilizado la identidad del Duende. El primero es Norman Osborn, empresario e inventor, y padre de uno de los amigos del colegio de Peter Parker. Su historia es uno de los puntos más altos de la mitología arácnida y ameritaría un artículo completo. El segundo Duende es el hijo de Norman, Harry Osborn, amigo cercano de Peter. Luego vendría el psicólogo Bart Hamilton, que al tratar la locura de Harry obtiene los secretos del Duende Verde y adopta su identidad. Posteriormente, y estando Roger Stern a cargo de la colección, aparece otro villano inspirado en el archienemigo del aránico, el Hobgoblin (en español, simplemente "El Duende") que a pesar de tener otro traje, presentó los mismos dolores de cabeza para el amistoso vecino Spider-Man: intrigas dentro de intrigas, una identidad secreta con múltiples pistas y una amenaza constante para los seres queridos del héroe araña. Este Duende finalmente sería revelado, contra varios pronósticos, como Ned Leeds, reportero del Daily Bugle, y luego, como el diseñador Roderick Kingsley. Esta sub trama también es uno de los momentos más interesantes de la historia arácnida, y da cuenta del interés que este personaje generó en los lectores y creadores del personaje. Luego de la muerte de Leeds otro personaje asumiría la identidad del Duende: esta vez el mercenario Jason Macendale, que anteriormente había utilizado la identidad de Jack O'Lantern. Macendale sería posteriormente poseído por un demonio y se convertiría en el Demo-Duende. 

 

Hasta aquí la historia del Duende hasta el comienzo de esta serie, a mediados de los 90.

Que verde era mi Duende

Esta maxiserie de 13 números USA, creada por Tom DeFalco (Thor, Spiderman) y dibujada en su mayor parte por Scott McDaniel (Daredevil: Caída del Paraíso) presenta a Phil Urich, sobrino del famoso reportero e investigador del Daily Bugle Ben Urich, como un jóven lleno de ansiedad y angustia por su futuro. Phil ha dejado sus estudios, trabaja como ayudante de su tío en el  periodico y frecuenta a un grupo de delincuentes que hacen de las suyas en el barrio. Todo esto cambia cuando encuentra, por casualidad, un escondite secreto del Duende Verde y se ve forzado a ponerse su traje. De aquí en adelante la serie se desenvuelve explorando las dudas del personaje, que debe enfrentarse al legado de maldad del Duende y a una sociedad que lo ve como un villano, a pesar que su intención es solamente pasar un buen rato y conocer mujeres. En este sentido, DeFalco refleja el espírtu de la época, en la que parte de la moda era presentar jóvenes despreocupados, indulgentes y un tanto hedonistas que no se sentían del todo cómodos con el papel de héroes. Naturalmente el tour de force lleva al personaje a toparse con Spiderman, Daredevil y antiguos personajes y villanos del Universo Marvel, al tiempo que se introduce un reparto de secundarios que aportan algo de profundidad a la historia. 

En su paso por el Universo Marvel el nuevo Duende debe hacer frente a conocidos héroes y villanos para probarse a sí mismo

A pesar  del legado de maldad que rodea al personaje, Phil se debate constantemente entre su intención de ayudar a los débiles y su nihilismo innato, además de luchar contra los demonios que lo atormentan; y todo esto, al tiempo que intenta llamar la atención de la chica que le gusta. La serie va aumentando progresivamente la tensión, al tiempo que Phil va tomando consciencia de su responsabilidad; en este sentido, la transformación del personaje desde un jóven despreocupado a un héroe insipiente recuerda al proceso por el que tuvo que pasar el jóven Peter Parker, aunque eso sí Phil no contó con el apoyo y amor de un tío Ben que lo encauzara. Así, muchos de los actos desinteresados de Phil se trastocan al descubrirse que han sido motivados por obtener una ganacia material o para impresionar a la chica de sus sueños. El dibujo de McDaniel, por otra parte, es frenético y consigue aportar a la sensación de confusión que rodea al nuevo Duende.

La serie consta de 13 números y a pesar que quedan algunos misterios sin resolver,  DeFalco prepara un final muy digno para el personaje que se enmarca dentro de la saga de Onslaught y la invasión de Centinelas en Nueva York. Sería el canto de cisne para Phil Urich, que en un último acto de sacrificio parece comprender finalmente el sentido último del heroísmo.La serie logra, a pesar de su brevedad, ser una interesante entrada en la mitología arácnida, profundizando en la historia del mayor enemigo del trepamuros. Finalmente, la premisa de la colección continúa siendo muy interesante: es el hombre o el disfraz lo que hacen al héroe? Y luego, es posible escapar a un destino siniestro, a un legado de maldad? La serie parecía decantarse por una respuesta positiva; sin embargo, historias posteriores recuperaron al personaje en una luz totalmente distinta.

Green Arrow: El Cazador Acecha

Seguimos con las reseñas de obras clásicas del comic-book y nuevamente contamos con un aporte de Mr. Diavalos al completo. Esta vez se trata de una obra muy interesante, que revitalizó a un personaje carismático de DC comics, pero que, sin embargo, históricamente no ha conseguido mucha popularidad. Se trata de Green Arrow (Flecha Verde) cuyos orígenes se remontan a principios de los años 40, en pleno apogeo de los vigilantes enmascarados. En el principio, Green Arrow se distinguía de otros personajes sólo por su arma de elección: el arco y la flecha. Esto sin duda le daba a guionistas y dibujantes la oportunidad de hacer cosas distintas hasta lo que se había hecho hasta el momento. Sin embargo, aparte de eso, Green Arrow compartía los mismos elementos que ya se habían establecido como populares para las audiencias de la época: un playboy millonario que contaba con un jóven ayudante y que combatía el crimen más por aburrimiento que por alguna otra necesidad más profunda.

 

More Fun Comics, primera aparición de Green Arrow y Speedy

Creado por Mort Weisinger y George Papp, la primera aparición de Flecha Verde fue en More Fun Comics 73, de Noviembre de 1941, colección en la que compartían aventuras el Dr. Destino, El Espectro y Johnny Quick. En este número, además, justamente se produjo el debut de otro conocido héroe, Aquaman. Flecha Verde no fue el primer héroe en utilizar el motivo del arco y la flecha para combatir el crimen, pues ya en 1938 había aparecido The Arrow (la flecha) un justiciero que no escatimaba en castigar a los malvados con fuerza letal, publicado por la compañía Centaur Comics. Sin embargo, Flecha Verde logró mantenerse a lo largo de los años, principalmente por su estilo semejante a un Robin Hood moderno, por la presencia de su ayudante Speedy (que lo asemejaba a otros personajes como Batman) y porque la publicación de sus historias siempre fue complementaria a la de otros héroes más populares de la época. Así, por ejemplo, además de sus historias en solitario en 1942 se une a los Siete Soldados de la Victoria originales, grupo que intentaba repetir el éxito logrado por la Sociedad de la Justicia, al reunir en una sóla colección a distintos personajes que hasta el momento tenían aventuras en solitario. En efecto, en Leading Comics 1, publicado en el Invierno de 1941-1942, Flecha Verde y Speedy se unen al Caballero Brillante (Shining Knight) el Vengador Carmesí (Crimson Avenger) el Vigilante original y Star Spangled Kid para formar esta singular agrupación.

 

Portada de Leading Comics 1

Cuando la moda de los héroes comenzó a dar paso, en los años 50, a nuevas historias de horror, ciencia ficción y romance, muchos personajes pasaron al olvido. Flecha Verde logró mantenerse aunque de forma discreta; en esta época destacan muy especialmente las historias que realizó Jack Kirby con el personaje, publicadas como complemento en la colección Adventure Comics, protagonizada por Superboy, y que mezclan elementos de las historias de monstruos espaciales y civilizaciones extraterrestres con la aventura heroíca. 

 

Extracto de Adventure Comics 252, de 1958, con una historia escrita y dibujada por Jack Kirby y que sería publicada en español por editorial Zinco en su antología "Las mejores Historias de los años 50 jamás contadas"

 Durante los 60's Flecha Verde tuvo apariciones esporádicas junto a la Liga de la Justicia pero no sería hasta la década de 1970 en que realmente tomó un rumbo interesante, gracias a las historias realizadas por Denny O'Neal y Neal Adams, con historias socialmente relevantes, en las que Oliver Queen se convirtió en el complemento perfecto de Hal Jordan en su viaje por Estados Unidos y su realidad: consumo de drogas, alcoholismo y segregación racial. Sin embargo, faltaba una serie que redifiniera al personaje para la época moderna, estableciendo su papel en el mundo post-crisis, a la manera de Batman Año Uno y Superman Hombre de Acero. Es en este momento histórico, en 1987, en el que Mike Grell desarrolla la serie The Longbow Hunters, conocida en español como El Cazador Acecha.

Green Arrow: El Cazador Acecha

 Reseña por Mr. Diávalos

 Hace muy poco por fin pude leer esta obra que tenía pendiente muchos años y que es la que voy a comentar ahora. Para ello hay que remontarse a la segunda mitad de los años 80, donde nos encontramos en una crucial etapa de la editorial DC, que hace poco había finalizado su saga Crisis en Las Tierras Infinitas, estableciendo un reboot para relanzar, supuestamente desde cero, sus series. Nuevas e inolvidables etapas se concretan con personajes como Superman, Batman y  Wonder Woman, o agrupaciones como Liga De La Justicia y Escuadrón Suicida por solo nombrar algunos. Además se hacía historia con dos obras culmines y rupturistas como lo fueron Watchmen y Dark Knight Returns, que serán inspiraciones y referencias para infinidad de relatos de tonos oscuros y grises,  tendencia que se convertirá en el sello de varias colecciones, con resultados muy dispares. En estas historias los personajes se enfrentan a un entorno lo más realista y crudo posible, forzándolos a tomar decisiones  que los hacen transitar en esa delgada línea que separa al héroe del antihéroe.  Es aquí donde  Green Arrow se asienta, siendo en mi opinión esta obra la que mejor abarca el entorno realista y oscuro en la que buscan insertar al personaje. Acá el encargado como autor completo es Mike Grell, con un dibujo estéticamente muy logrado, interesante trabajo de viñetas y para qué hablar del logrado trabajo en el color de Julia Lacquement, que concretan una línea gráfica que, si bien, puede perder en dinamismo debido a lo estático de varias imágenes, que más que parecer arte secuencial se ven como bonitos cuadros, no le restan intensidad para complementarse bien con el sórdido relato que ira desarrollando Grell a lo largo de los tres tomos publicados por la recordada y extinta editorial Zinco (posteriormente reeditado por Planeta).  

¿Que nos trae esta historia? Sin duda varios puntos interesantes, en primer lugar si bien estamos hablando de un relanzamiento vemos acá al Green Arrow que muchos conocimos en esa etapa de culto que nos dieron Dennis O’Neil junto a Neal Adams cuando compartía protagonismo con Green Lantern; mientras que este último se fue abocando a sagas más espaciales que muchos conocimos, nuestro arquero esmeralda siguió viéndose enfrentado a los problemas de corte social y humanos al cual ya nos tenía acostumbrados. Incluso acá se recuerda aquel episodio que la dupla de héroes vivió al descubrir la adicción a la heroína de Speedy, el sidekick o protegido de Green Arrow.

Para hacer más realista la historia, nuestro personaje se asienta en una ciudad real como es Seattle, dejando de lado la ficticia Star City. Así, los villanos de corte pintoresco y estrafalarios son reemplazados por organizaciones de traficantes, asesinos seriales, la mafia Yakuza japonesa o  cofradías de ex veteranos que torturan y blanquean información, los que van siendo presentados de forma muy interesante a lo largo del desarrollo de la historia. 

Esta obra además es un excelente punto de partida para conocer el origen de Green Arrow donde en breves páginas se expone en forma clara que su inicio fue bastante menos épico de lo que la leyenda narra sobre él.  Asimismo, otro punto a destacar es que a diferencia del Batman Año 1, o los relanzamientos de Wonder Woman, Flash o Superman, no estamos hablando de un superhéroe juvenil cuya edad está bajo los 30 años: Oliver Queen / Green Arrow está ya sumido en sus 40 años y su motivación como héroe ya no es sólo la adrenalina de ir de aventuras; por ejemplo, mientras está en búsqueda del asesino en serie conoce a una antagonista y posteriormente incómoda aliada llamada Shado quién muestra más habilidad que nuestro personaje con el arco y flecha (o sea, al menos en esta historia, ya no es el mejor en lo que hace).  

En el aspecto humano, por otro lado, el personaje va mostrando aquella necesidad de quemar etapas que muchas personas a su edad ya han concretado. En este punto entra la lograda descripción de su relación con Dinah Lance / Canario Negro como compañera de aventuras y relación afectiva, con interesantes diálogos, que contraponen sus argumentos en temas tan humanos como la intención de Oliver de ser padre a lo que Dinah le responde que ella desea tener hijos…. pero no huérfanos! dejando en claro el peligroso mundo en el que se desenvuelven a través de su vocación y que ya es una premonición a lo que vendrá.

Al finalizar el tomo 2 la misión personal que toma Canario Negro de ir tras una operación de drogas sale muy mal, ya que es atrapada, vejada y torturada donde lo más inquietante es que quién lo lleva a cabo no es un villano con aspecto atemorizante sino una persona común y corriente en apariencia, que si la vieras en la calle no te generaría mayor sospechas y sin embargo acá lo ves haciendo uso (y disfrutando) de estos actos de tortura. Si bien la venganza es casi inmediata y efectiva, se va percibiendo ese ambiente de angustia que producen los eventos traumáticos, que se reflejan a través de pesadillas y la impotencia que a pesar de hacer justicia y desarticular las operaciones de la organización criminal queda esa sensación de vulnerabilidad y del poder haber impedido el daño a seres queridos, donde sueños y anhelos quedan seriamente dañados y va a costar mucho tiempo reconstruirlos.

 En cierta medida estas percepciones también recuerdo verlas reflejadas en la película Irreversible, donde a pesar del rápido ajusticiamiento no te quita esa sensación de que hay heridas que no sanan, que la venganza consumada no quita esa desazón que produce el ver un ser amado vulnerado y vejado por un desconocido que simplemente se cruzó en su camino. Con sus claras diferencias,  varios aspectos similares se ven también, por ejemplo, en Batman: La Broma Asesina de Alan Moore y debemos tener en cuenta que  la historia de Green Arrow es anterior a estas dos obras citadas. 

Finalmente también se muestra lo difícil que es ser y actuar como héroe con todas las de la ley, lo difícil que es jugar limpio contra personas que no se mueven por esos códigos, donde el ser un enmascarado no sirve para denunciar, incluso jefes mafiosos se dan el lujo de eliminar evidencias en forma descarada delante de él y reírse en su cara, donde a muchos les quedará la duda si es mejor buscar justicia por la vía legal, que muy probablemente no llegará o ir por el camino que toma Shado , a través de ejecuciones precisas y efectivas para matar al enemigo, aunque con la angustia de saber que su lugar será rápidamente ocupado  por personajes de peor calaña.

En mi opinión Green Arrow: el Cazador Acecha es una muy buena obra que refleja acertadamente el tono oscuro que se le buscó dar a los superhéroes de aquellos años. Aunque mi sensación es que lamentablemente no destacó tanto al lado de otras obras más reconocidas. Incluso es tal como leí alguna vez: si este mismo relato, sin cambiarle una coma, hubiese sido firmada por algún otro autor de renombre de esos tiempos, sería considerado otra obra maestra de finales de los ochenta.

 

Stan Lee - En su propia pluma II

Segunda parte de esta entrevista de Stan Lee publicada originalmente en el año 1977, en la revista Quest. Para muchos historiadores y fans de los cómics, este documento es una muestra de la tendencia de Lee de crear una mitología en torno a su persona, de magnificar sus logros y negar la influencia de otros creadores en sus ideas. Sin embargo, el artículo se refiere más a la vida de Stan, su primer contacto con el negocio editorial, el insipiente mundo de los comic-books a finales de los años 30, distintas anécdotas sobre la sociedad y la cultura de la época, y como ésta fue evolucionando, en torno a los comics, durante más de tres décadas. La figura de Stan Lee, y por añadidura Marvel Comics, es fundamental para entender la evolución del comic book desde simplemente un artículo para pasar el tiempo, desechable, hasta su resurgimiento gracias a la era marvel a principios de los 60's, en los que el cómic se convierte en un artefacto cultural y popular relevante.

Excelsior!!

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CÓMO INVENTÉ A SPIDERMAN - PARTE II

por STAN LEE

Cuando tenía alrededor de 10 años, solía leer una revista pulp llamada THE SPIDER (La Araña), y cuyo subtítulo era "MASTER OF MEN" (Amo de los hombres) Quizás fue este subtítulo el que me llamó la atención, pero para mi manera de pensar pre-adolescente e impresionable, The Spider era el personaje más dramático que yo hábía conocido. Estaba justo al nivel de DOC SAVAGE y THE SHADOW. Incluso mejor, como no era tan conocido como estos otros, me daba la sensación de que sus fans pertenecían a una especie de club secreto. Así, cuando buscaba un nombre para el título de nuestro nuevo súper-héroe, recordé mi viejo pulp favorito ---- y el nombre Spider- Man de inmediato tuvo sentido. No me importó tomar prestado parte del nombre de The Spider, ya que todos los otros aspectos de nuestro personajeserían completamente diferentes. Estaba determinado a hacer que nuestra nueva creación fuera la más original y nuestro personaje el más único que hasta el momento se hubiera presentado en los comics.

Incluso al hombre que escogí para ilustrar las aventuras de nuestro lanzador de redes representaba un cambio frente a las tiras de súper-héroes usuales. Steve Ditko era tan buen artista, dibujante y planeador gráfico como uno pudiera encontrar. En vez de ilustrar criaturas fantásticas, con músculos saliéndoles de los músculos, Steve podía dibujar personajes que se parecían a cualquier hijo de vecino. Cuando la típica tira de súper héroes era exagerada y excesiva, el arte de Ditko era sútil y relajado. Era justo lo que yo quería. Era vitalmente importante para mi que Spider-Man fuera el tipo de personaje con el que una persona cualquiera pudiera identificarse. Y estaba seguro que el arte atípico y alejado de los clichés de Steve podría lograr esto. 

Mientras más profundizaba bajo la piel de Spidey para descubrir qué era lo que lo hacía actuar, más me daba cuenta de lo vergonzosamente banales que habían sido los cómics de las décadas pasadas, en términos de caracterización. Los así llamados "tipos buenos" eran invencibles, infalibles y triunfaban totalmente al final de la historia. Los "tipos malos" era siempre ruines, letales y eran irrevocablemente erradicados al momento en que se bajaba la cortina final de la historia. Los tipos buenos hablaban líricamente. Los tipos malos gruñían. Los tipos buenos eran puros de corazón, orgullosos y apasionadamente patrióticos. Los tipos malos eran cobardes, aprovechadores y malos hasta el hueso. Los héroes estaban a un paso de la santidad, mientras que los malos no tenían ninguna cualidad que los redimiera. Disparates! Apuesto que incluso Atila el Huno era bueno con su madre; y Albert Schweitzer probablemente roncaba cuando dormía.

Y así nació otro maravilloso concepto de Marvel. Nuestros villanos ya no serían necesariamente el epítome del mal encarnado; nuestros héroes no sólo tendrían los pies, sino también las pantorrillas y las piernas de barro. Pero cómo podría el lector saber qué era lo que los motivaba? Después de todo, sus diálogos usualmente se limitaban a "Tengo que detenerlo antes que capture a Buckey" o "Gran Scott! Es una criatura de otro planeta" La solución era obvia: darle al lector la chance de meterse en la cabeza de los personajes - enfatizar la reflexión y los pensamientos tanto como los díalogos. Aquellos de ustedes que ya se han introducido en el saber de Marvel, que han seguido fielmente las aventuras de nuestro asombroso arácnido, conocen bien nuestra preferencia por los globos de pensamientos, siempre que tenemos el más pequeño espacio vacío en alguno de nuestros paneles. Nuestros personajes conversan tanto consigo mismos, hacen tantos soliloquios, que incluso Hamlet parece un lunático extrovertido a su lado. Nunca antes los comics habían mostrado tanto interés por la instrospección; tan agonizantes reafirmarciones internas, por parte de héroes y villanos; tal irrefrenable búsqueda de la verdad, entendimiento y motivación básica.

Así, por primera vez, las historias de los comic-books comenzaron a ser escritas con la misma preocupación por el discurso y la caracterización que las películas del cine, las novelas o las obras de teatro. No quiero dar a entender que el resultado final haría que Ibsen se pusiera celoso. Todavía escribimos para un mercado masivo y luchando por sacar doce páginas al día. Pero estábamos tratando - y estábamos bien encaminados.

Allí afuera habían varias voces de perdición. No puedo decirles cuantas veces escuché, de aquellos que eran más "viejos, sabios y que habían estado en el negocio por más tiempo que nosotros", cómo mi inocente cruzada para actualizar los comic-books traería el colapso total de nuestra pequeña y valiente compañía, si no también de toda la industria. Todavía puedo escuchar sus voces - sabias, persuasivas, implacables.....

"¿Acaso estás loco? Los comics son para niños. Para niños pequeños!!"

"No puedes hacer comics para satisfacer tus propios gustos. Perderás a toda tu audiencia!!"

"Ellos sólo quieren mirar los dibujos. Dales cualquier cosa que requiera lectura real y estás acabado!!"

"No arruines lo que tenemos. No seas estúpido y destruyas lo bueno que hemos conseguido"

Pero logramos mantenernos en nuestro camino. Seguimos escribiendo e ilustrando historias de Spider-Man que mostraban situaciones sorpresivamente realistas, motivaciones cuidadosamente construidas y el diálogo más agudo que yo pudiera inventar. Una de mis estrategias preferidas era el viejo "Que pasaría si...." Qué pasaría si Spider-Man, al estar luchando por su vida contra algún letal villano, se viera aquejado derepente por un ataque de alergía o fiebre? Que pasaría si tuviera que salir a toda carrera a medianoche para ponerse su traje y salvar a la humanidad, pero su Tía May no lo quiere dejar salir por una tormenta que se avecina y él está recién saliendo de un resfrío? Qur pasaría si Spidey recibiera un enorme cheque como recompensa por aprehender a un ruin villano, pero no pudiera cobrarlo porque está a nombre de Spider-Man y él no tiene una cuenta de banco a su nombre ni tampoco tiene ninguna manera de identificarse sin revelar su identidad secreta? Por primera vez en años, los comics empezaban a entusiasmarme de nuevo.

Luego de las primeras historias de este tipo, sentí que realmente empezaba a conocer a nuestro amistoso vecino lanza redes. Llamarlo Spidey parecía tan natural como llamar a mi esposa Joanie. Escribir sus diálogos era ridículamente fácil; simplemente lo dejaba hablar tal como hablaba yo. Gran empatía, cierto? Cuando Spidey se metía en un embrollo, sólo pensaba qué habría dicho o hecho yo en ese mismo predicamento, y listo - ya tenía mi diálogo y mi curso de acción. Pero siempre he intentado mantenerlo en la perspectiva correcta. Nunca he intentado subirme a una pared o balancearme de los rascacielos. 

Pero qué hay de los lectores? Qué impacto tuvo el ampliamente anunciado (principalmente por nosotros) "Estilo Marvel" en las hordas difíciles de satisfacer de fanáticos de Spider-Man? Me alegro que pregunten.

The Amazing Spider-Man comenzó a venderse a comienzos de 1963. Antes de eso, estábamos vendiendo alrededor de 17 millones de comic-books al año. En 1964, liderados por la increíble popularidad de Spider-Man, vendimos 28 millones. Para 1968 vendimos 49 millones de copias al año. El año pasado (1976) todavía con Spider-Man liderando nuestra plantilla de personajes, Marvel Comics vendió más de 70 millones de comics y nuestras ventas siguen creciendo. En todo el mundo, Spider-Man vende más de 800,000 copias que Superman. Para mi, el resultado más gratificante de este nuevo acercamiento fue el impresionante cambio de la audiencia que lee comics. El rango de edad de nuestros lectores - previamente de 6 a 13 años - repentinamente aumentó a estudiantes universitarios e incluso más. De hecho, las ventas de comics adicionales provenían principalmente de lectores mayores, y la belleza de todo era que habíamos ganado estos lectores sin perder a los más jóvenes. 

Parece ser que Spider-Man, y otros títulos de Marvel Comics, estaban siendo aceptados y disfrutados en varios niveles. Para los lectores más jóvenes habían trajes coloridos, acción, fantasía, emoción y aventuras que eran más grandes que la vida misma. Para los nuevos lectores más grandes, habían argumentos y sub-argumentos inesperadamente sofisticados, un vocabulario de alto nivel, sátira, ciencia ficción y la mayor cantidad de conceptos filosóficos y sociológicos que pudiéramos sacar del sombrero. En el comienzo, la sátira no era completamente intencional. Simplemente trataba de imaginar qué pasaría si alguien con poderes súper humanos realmente existiese y viviera - por ejemplo - en Forest Hills, Nueva York. Luego, tratré de confrontarlo con problemas y situaciones de la vida real. Pensaba que estaba haciendo comics realistas; los lectores más adultos pensaban que estaba haciendo sátira. Si ellos querían llamarlo sátira, quién era yo para contradecirlos?

Me maravillaba también el descubrir que nuestros lectores más jóvenes no se desanimaban por el tipo de vocabulario que se utilizaba, que era más elevado. Parecía como si ellos absorvieran los significados de palabras como cataclísmico, misantrópico, subliminal o fantasmagórico. De hecho, recibíamos cientos de cartas de asombrados padres que nos decían "La habilidad lectora de Johnny ha mejorado en un 100 por ciento, igual que sus deberes escolares - especialmente gramática y composición - desde que empezó a leer los comics Marvel!" 

Desde la década pasada que he estado viajando por el país exaltando las virtudes de la Spidermania en los campus de virtualmente cada college y universidad, desde Portland hasta Phoenix, desde Seattle a Saratosa. Se asombrarían del tipo de preguntas que recibo, preguntas que van desde "Cómo puede ver Spider-Man a través de esos paneles opacos en su máscara?" hasta "Filosóficamente, cómo se pone en la balanza el síndorme de culpa de Spidey con sus tendencias maniaco depresivas y su hiper neurótica extraversión?" Y estas ni siquiera son las más complicadas! Más allá del lenguaje y el dibujo para adultos, parece haber algo acerca de Peter Parker y su alter ego disfrazado que encantan a sus millones de admiradores, incluyéndome a mi. Déjenme esbozar una teória de por qué Spider-Man ha disfrutado una popularidad tan grande y vasta en todos estos años.

Es muy seguro asumir que tú y yo tenemos una cosa en común con el resto de la humanidad. Por muy atractivos, deseables y cautivadores que seamos, todos tenemos cierto nivel de maliciosidad - sólo lo justo para hacernos interesantes. Podemos querer genuinamente a nuestros amigos; podemos respetar y admirar a un gran número de personas, deseándoles lo mejor en todo lo que hagan pero incluso así no queremos que tengan tanto éxito. Si a un amigo cercanos o a un familiar le va bien, nosotros nos alegramos. Pero si le va mucho mejor que a nosotros, realmente no nos molestaría que se encontrara un bache en el camino de vez en cuando. Realmente no queremos que alguien sea mucho mejor, más rico, más atractivo, inteligente o suertudo que nosotros. Por lo menos no tanto. De hecho, si alguien que queremos puede ser un perdedor de vez en cuando, es generalmente más fácil que el amor florezca y crezca. Nada crea un afecto más genuino y duradero que el saber que el otro es un poco - sólo un poquito - inferior a nosotros. 

Bueno, así pasa con Spider-Man. Con todo su poder, cerebro y fama, el pobre chico tiene muchos más problemas, muchos más baches en el camino que un tipo normal como uno. Cuando se leen sus extrañas y maravillosas aventuras, incluso cuando nos asombramos con sus poderes sobre humanos, nos encontramos teniéndole lástima, simpatizando con cualquiera que pueda tener tantos problemas y mala suerte como él. Seguro, es un súper-héroe. Seguro, es un ejército de un sólo hombre. Seguro, es prácticamente indestructible. Pero uno está mucho mejor que él. Nosotros podemos manejar las pequeñas vicisitudes de nuestras vidas mucho mejor de lo que él lo hace. Incluso cuando a él se le considera un leyenda viviente, nosotros podemos sentirnos superiores a él. Ahora, cómo evitar amar a un tipo como ese? 

Y después de todo eso es lo que Spider-Man nos está diciendo sobre nosotros mismos y el tiempo en el que vivimos. Incluso cuando está de moda lamentarse por nuestra falta de héroes - la desaparición de nuestros Joe DiMaggios o Winston Churchills- es muy posible que la era de los héroes más grandes que la vida misma haya pasado para siempre. Nos hemos puesto muy sofisticados. Nos hemos vuelto muy cínicos. Los sucesos de las últimas décadas pasadas nos han vuelto suspicaces, nos han hecho dudar de nuestros líderes, nuestras figuras públicas, nuestros políticos. Qué pasó con el tiempo en el que podíamos llamar a nuestros políticos "estadistas", sin sentirnos ridículos?

Todos nuestros Vietnams, Kent States y Watergates nos han pasado la cuenta. No es que no queramos héroes. No es que no busquemos a alguien a quien imitar, admirar, idolatrar. Pero hasta que las ondas de choque de nuestro pasado reciente no hayan pasado, y finalmente estemos preparados para creer otra vez, nuestros héroes deberán ser de otros moldes. Tendrán dudas y serán falibles. No serán ni mejores ni peores que nosotros. Hemos soportado mucho y no dejaremos que nos hieran de nuevo.

Así que brindemos por Spider-Man. Brindemos por una nueva raza de súper héroes. Él nunca nos va a desilusionar porque nunca hemos esperado mucho de él. Podemos entenderlo y simpatizar con él. Y si es que sus poderes son mayores que los nuestros, también lo son sus problemas. Él es nuestro tipo.


Nuff Said!!

Entrevista disponible en:

 http://kirbymuseum.org/blogs/dynamics/2011/08/27/how-stan-lee-invented-spider-man/

The Psycho

Hace poco tuve la oportunidad de releer esta obra, publicada en su tiempo por la editorial española Zinco en tres volúmenes prestigio, y siempre logra dejarme una muy buena sensación. Como cuando leemos algo que tiene ideas muy interesantes y se nos quedan dando vuelta un tiempo en la cabeza: ese momento en que la lectura deja de ser escapismo o simple entretención pasajera y pasa a ser reflexión. The Psycho tiene ideas muy interesantes, las que unidas a dosis de acción, personajes estrafalarios y una cuota de espionaje crean la combinación perfecta para contar una historia.

Cuando los Súper Poderes se unen al Cyber Punk

Escrita a principios de la década de los 90's por James Hudnall (conocido por los lectores en español por su Biografía No Autorizada de Lex Luthor) e ilustrada por Dan Brereton (Batman y Superman: Leyendas de los mejores del mundo y Batman: Thrillkiller) The Psycho cuenta la historia y correrías de Jack Riley, un agente de la CIA en un mundo muy parecido al nuestro salvo por una gran diferencia: la existencia de seres con super poderes, los Psychos o ALD, agentes libres disfrazados, que se encuentran al servicio de las grandes potencias y hacen el trabajo sucio. 

Se trata de un mundo en el que el primer ALD norteamericano mató a Hitler en el 42', poniéndole fin a la Segunda Guerra Mundial. Luego, Rusia desarrolló su propio proyecto de Psychos, creando una tensión internacional similar a la crisis atómica de la Guerra Fría. Así, en esta realidad, el país que tiene más poder es aquel que controla más ALD, y éstos súper agentes gozan de los mejores beneficios de la sociedad, creando tensión con los ciudadanos y agentes normales, que sólo pueden aspirar a trabajos de oficina y de apoyo a los Psychos. Es un mundo en el que el balance de las fuerzas puede verse alterado dramáticamente y donde Jack Riley es un simple peón, un agente de bajo grado que realiza misiones de campo asesinando narcotraficantes en países latinoamericanos y que tiene un resentimiento contra estos seres especiales.

Una anécdota de esta obra es que la historia de Riley comienza precisamente en Chile, trabajando con la policía para desbaratar la organización de un narcotraficante local. Lo interesante es que a diferencia de otros relatos en los que se menciona nuestro país pero no se le diferencia, digamos, de México; en esta historia se hacen algunos alcances que permiten intuir que el autor investigó algo sobre nuestra cultura, especialmente al hacer referencias al robo del cobre por potencias extranjeras y a la alusión sobre que el presidente del país es un títere elegido por los norteamericanos. 

 

La tensa relación de Riley con los policías locales se acentúa por su rechazo a los agentes súper poderosos

La misión de Riley falla y es separado de la "Compañía". Sin embargo, su país tiene otros planes para él y en vez de retirarlo le ofrecen un puesto en la organización SIN, Súper Inteligencia Nacional, agencia encargada de monitorizar todas las acciones de los Psychos en el mundo. Así, Riley es enviado a la pequeña nación de Aldaria, país que concentra un enorme número de ALD, situación que naturalmente los Estados Unidos no puede dejar de investigar. Aquí comienzan las correrías de Riley, que pasa de agente encubierto a proscrito y a ser perseguido por su propio país; y cuando se le van agotando las opciones, llegar a la inevitable situación de convertirse él mismo en lo que más odia, un Psycho.

Las ilustraciones de Brereton, semejantes a cuadros, ayudan a crear un singular ritmo que va de la acción pura a los momentos de relajo del protagonista

Sin embargo, para convertirse en Psycho se debe consumir una droga que, en la mayoría de los casos, resulta mortal, tanto física como psicológicamente. Sólo aquellos que sobreviven a esta proceso adquieren poderes, e incluso en ese punto no es seguro qué habilidad se obtendrá. Esto muestra parte de la ambientación oscura de la obra, en la que los seres con poderes son resultado de un proceso de terror y angustia, en los que sus deseos de poder deber sobreponerse al miedo a la muerte. Por esta misma razón la obra evita referirse a estos personajes con los epítetos acostumbrados del comic book: nunca son considerados como súper- héroes o villanos, sino como mercenarios que venden sus servicios al mejor postor. En este sentido, también juega un papel importante la caracterización de los Psychos, que quizás por la libertad y priveligios de los que gozan en este mundo eligen vestir de formas provocativas, con tatuajes, modificaciones tecnológicas en sus cuerpos, armamento futurista e insignias, placas y máscaras que dan cuenta de su individualismo y su estatus en la sociedad, lo que claramente recuerda la estética cyber punk. 

  Cada Psycho ha sido diseñado con una estética que acentúa su rol único y privilegiado en la sociedad y que recuerda el estilo cyberpunk de obras como Shadowrun

Perseguido por todo el mundo, Riley se sumerge cada vez más en un juego de traiciones y agentes dobles, de secretos dentro de secretos, en los que su paranoia se acentúa cada vez que se da cuenta en lo que se ha convertido, y que, finalmente, le gusta. Esta idea de la crisis de identidad en Riley, de convertirse en lo que odia y gradualmente ir aceptándose, es bastante profunda y es explorada por el autor desde el principio, al mostrarnos un protagonista que constantemente tiene pesadillas con los Psychos, quienes lo invitan a ser parte de ellos. Estas secuencias me recordaron aquella lectura de Blade Runner en la que se da a entender que el protagonista podría ser también aquello que perseguía, aquello que buscaba eliminar.

A partir de este punto, la obra transcurre vertiginosamente: Riley se va acercando cada vez más a descubrir el secreto de su traición, viajando por Aldaria, Estambul y los Estados Unidos, mientras es perseguido por un singular grupo de Psychos caza recompensas, que han sido contratados para matarlo. El relato va llegando a su conclusión mientras el lector, junto con el protagonista, van conociendo los poderes que este último ha adquirido a través de su proceso de conversión, y el precio que ha debido pagar por ello. 

Si bien el final no es sorpresivo ni apoteósico, sí les permitía a los autores haber continuado las correrías de Riley en otra serie limitada o colección convencional. De hecho, a pesar de ser una serie corta, el mundo que rodea al protagonista está muy elaborado y resulta lo suficientemente intrigante para querer saber más. Es una lástima que estas series alternativas al mundo tradicional de súper héroes no hayan tenido continuidad, aunque se debe valorar que en esta época DC se haya atrevido a publicar este tipo de historias. En conclusión, se trata de una excelente obra que, por su temática, no puede ser ubicada en un momento temporal concreto, y por lo tanto, a pesar de tener más de 20 años de publicada, se lee perfectamente bien.

 

Capitán América: El Hombre Bajo La Máscara

En esta entrega tengo el agrado de presentar el aporte de un gran amigo, Mr. Diavalos, que se ha dado la tarea de comentar un tomo que recoge una de las mejores etapas del personaje insigne de la Casa de las Ideas, el Capitán América, el sentinela de la libertad. Este tomo, "El hombre bajo la máscara", recoje el resurgimiento del personaje en los años 60's, cortesía de Stan "the man" Lee, Jack "King" Kirby y Jim Steranko, entre otros. Y aunque el personaje pudiera parecer algo superficial o anticuado, por sus valores y manifiesta moral, su historia está llena de elementos complejos, lo mismo que su convulsa publicación.Por eso, antes de presentar el análisis de este gran amigo, quisiera hacer una breve introducción a la historia de este emblemático personaje

El Capitán América: Crónica de un hombre fuera de su tiempo

La historia del Capitán (o el Capi o incluso simplemente "Cap", para los amigos) se inicia en en plena edad de Oro de los comics, en el año 1940, cortesía del escritor Joe Simon y el dibujante Jack Kirby, para Timely Comics, predecesora de Marvel Comics. El personaje surge en un momento en que el público ansía más vigilantes enmascarados, especialmente aquellos con tintes patrióticos, pues las sombras de la guerra volvían a alzarse en el horizonte. De hecho, para el momento de su primera aparición, en Marzo de 1941, existe ya una moda de personajes que visten vistosos trajes que recuerdan la bandera de los estados unidos, y que defienden su país y su estilo de vida frente a las amenazas externas; entre ellos destaca The Shield, en Pep Comics, y el famoso Tío Sam (Uncle Sam) encarnación de los ideales de la libertad, creado por el mítico Will Eisner para Quality Comics, en 1940.

 Portada de Pep Comics n°1 de Enero de 1940, de la editorial MLJ, primera aparición de The Shield, personaje que motivaría la aparición de otros vigilantes patrióticos

 

Uncle Sam, uno de los héroes patrióticos más llamativos, en la portada de National Comics 1, de Julio 1940

 Primera aparición del Capitán América, Marzo de 1941, con la icónica portada en la que le está dando un puñetazo a Hitler.

 Sin embargo, el Capitán América pronto se convirtió en el más popular de este nuevo estilo de héroes y sus historias se prolongaron mucho despúes del fin de la Segunda Guerra Mundial, período en el que la moda de los súper héroes estaba pasando para dar lugar a las historias de romance, western y de horror. Así, la colección original del Capitán llegó hasta el año 1949 y luego sus aventuras siguieron siendo publicadas por la editorial Atlas, sucesora de Timely Comics, hasta la primera mitad de la década de 1950. En este momento el personaje fue retirado de la publicación y no sería hasta principios de la década de 1960 que sería recuperado por Stan Lee y Jack Kirby para utlizarlo en la colección de los Vengadores. Las historias que se comentan a continuación pertenecen a este período histórico, en el que Lee y Kirby reconstruyen la historia del centinela de la libertad, esta vez como un ícono de otro tiempo, atormentado por las culpas de su pasado e inmerso en una sociedad que lo recuerda más como un símbolo de una época pretérita que como a un ser humano.

 El Hombre bajo la Máscara

 por Mr. Diavalos

Cuando se habla de los comic de Marvel de los años 60 y tienes frente a ti un tomo que abarca un personaje legendario como lo es el Capitán América, cuyos aportes creativos vienen de nombres como Jack Kirby, Stan Lee, John Romita, Jim Steranko, Gene Colan  o John Buscema, significa que algo muy prometedor se puede venir. 

Cuando se habla de comics de la década de los 60’s sin duda se tiene a Marvel como uno de los grandes referentes y aportes al noveno arte. Es en esta época donde La Casa de las Ideas se consolidó con grandes títulos, siendo Los 4 Fantásticos el puntapié inicial para seguir con otras colecciones donde se concretaron etapas inolvidables y muy posiblemente insuperables;  no sólo por la creación de personajes sino también por rescatar del ostracismo a algunos emblemas de la edad de oro de la era Pre Marvel, es decir, cuando era Timely Comics.

Es acá donde entra el personaje del cual trataremos hoy: si dentro de los ya mencionados 4 Fantásticos se relanzaba una nueva versión de la Antorcha Humana (donde incluso dentro de la misma colección se contó con una presencia puntual de la Antorcha Original de la edad de Oro) también se debe sumar la reintroducción del príncipe Namor, quien contará con una presencia constante en esta y en otras colecciones. El éxito de estos regresos hizo factible que Stan Lee, a través de Strange Tales #114, tanteara el mercado para traer de vuelta al Capitán América, lo que lo lleva al siguiente paso, una vez más junto a Jack “El Rey” Kirby para traer de vuelta al personaje en forma definitiva en Avengers N°4,  donde el personaje y la agrupación establecerían prácticamente un vínculo sólido y casi siempre indisoluble. 

Es innegable que muchas narraciones del Capitán están relacionadas a las aventuras vividas en conjunto a la agrupación vengadora. Pero para los que ignorábamos de la trayectoria de este personaje, nos cabía la duda si las aventuras en solitario estaban a la altura de lo que nos aportaba la colección de Avengers. Pues para mi grata sorpresa no queda más que reconocer que el tomo que comentaré es la prueba que si: así como los ya mencionados 4 Fantásticos, Thor o los mismos Avengers contaron nuevamente con  narraciones épicas e inspiradas de la dupla Lee – Kirby, acá se suman otros autores ya mencionados al principio que no solo mantienen alto el listón sino que hay casos en donde incluso lo superan (mérito que no muchos lograron).

Pues bueno sólo como antesala indicar que El Hombre Bajo La Máscara es el tomo 2 que continúa a lo narrado Capitán América: La leyenda viviente, gran compilado dentro del cual se comienza a narrar las aventuras del Cap desde su regreso en los años 60 en la colección Tales of Suspense, donde están las infaltables aventuras  en La Segunda Guerra Mundial  junto al desaparecido Bucky, infinidad de aliados y enemigos que son presentados y re-presentados a lo largo de sus páginas (la Agente 13, los Vengadores, Cráneo Rojo, el Barón Zemo, Namor, Batroc, Nick Fury, el Superadaptoide, I.M.A., el cubo cósmico y un largo Etc) donde el punto culmine es que en el número 100 la colección cambia de nombre y pasa a llamarse Capitán América, donde la trascendencia no recae en un simple cambio de nombre sino que en dicho número se presenta el retorno de su némesis, Cráneo Rojo. Esta es una excelente antesala para lo que viene a continuación y que irá profundizando el desarrollo de esta colección, no sólo del Capitán  América sino que también de Steve Rogers, un hombre que desde estos números ya se muestra como un hombre fuera de su tiempo y que trata de adaptarse a esta nueva realidad.

Como no podía ser de otra manera el tomo comienza con un enfrentamiento a lo grande contra Cráneo Rojo y su ejército, donde ya podemos apreciar que ya es legendaria la facultad que tiene este enemigo de poder zafar de la muerte una y otra vez, donde ni hundimientos ni destrucciones de islas lo pueden detener. Esta vez además cuenta con la colaboración del Cuarto Durmiente, esos entes superpoderosos y aparentemente indestructibles que el rey Kirby tan bien sabía crear y diseñar. Acá aparte de las grandes escenas de batallas vamos apreciando la estrecha relación que el Capi ya tenía con Nick Furia y Shield (si creían que esto era algo que se desarrolló en los últimos tiempos no pueden estar más errados), esto suma otro factor que ayuda aún más a la serie ya que también se ven facetas tecnológicas, relatos y viñetas que remiten más a las historias de espionaje que calzan muy bien dentro de esta colección.

También contamos una vez más con la presencia de la agente 13 (Sharon Carter) también miembro de Shield e interés romántico del personaje, que como era muy común pasa a ser la herramienta de extorsión principalmente a través del secuestro para villanos como El Trampero o el mismo Cráneo Rojo, quien recurre a esta táctica para tratar una vez más de eliminar a su archirrival, más allá del obvio cliché visto infinidad de veces el aporte a esta historia que marca la diferencia es que se aprovecha de presentar una nueva y clandestina agrupación Nazi en apariencia 100% fiel a Cráneo Rojo llamados Los Exiliados, que también pasan a ser un duro escollo para el Capitán América. Hay que recordar que Marvel desde sus inicios siempre trata de hacer referencia a lo que ocurre en la actualidad, donde en EEUU se hablaba no con menor temor del resurgimiento de agrupaciones Nazis, por lo que Los Exiliados y el mismo Cráneo calzaban a la perfección.

Desde el Capitán América 105 en adelante el tándem Lee / Kirby sigue consolidándose mostrando recuerdos de la segunda Guerra Mundial y el trauma de su compañero perdido Bucky, sin dejar desarrollar más aventuras en la actualidad donde aparece Batroc,  su enemigo  que esta vez  aparece acompañado de El Espadachín y El Laser Viviente. Tampoco podía faltar el enfrentamiento contra las creaciones de Potencias Enemigas del país Norteamericano y su principal símbolo, en este caso a través de la Operación República, que representa un nuevo intento de crear un duplicado más fuerte del Cap, y que obviamente lo destruya.  Estos capítulos son la previa y preparan el camino de lo que para mí es la mejor historia que firma la dupla creativa de este tomo titulado “Si El Pasado no Hubiese Muerto”, tremenda narración, claustrofóbica, con  una intensa  guerra psicológica contra el Cap, revolviendo y  acentuando aún más sus traumas. Esa forma como el personaje se ve confuso y atrapado en sí mismo, con logradas viñetas y también oscuros pasajes,  para completar en tan solo 20 páginas otro de los grandes y mejores trabajos que la inigualable dupla Lee / Kirby concretaron, además  no solo se quedaron allí, sino que se presenta a lo grande y por primera vez al Dr. Fausto como otro gran enemigo de nuestro héroe.     

Siguiendo con los aportes que nos da este tomo para poder ir conociendo más a nuestro protagonista, posterior a la aventura donde Sharon Carter es secuestrada por El Trampero (anteriormente con el poco afortunado nombre de Pete Pote de Pasta) quien pone a prueba todas las habilidades de nuestro protagonista, le sigue la historia “¡El Héroe que Fue!” donde nuestra dupla nos hace presente el origen del Cap. Y su asociación con Bucky. Muy lograda narración que todo lector iniciado agradecerá, donde además la mencionada dupla creativa finaliza su participación en conjunto en esta colección. Sólo volverán en forma puntual. De todas maneras el final de tan destacable etapa sólo sirve para dar la bienvenida a otra mucho más breve pero inolvidable. 

La llegada de Jim Steranko

Definitivamente lo publicado entre los números 110 al 113 de Capitán América merecen una mención aparte y destacada, ya que llega uno de los autores de lujo con el cual contó la casa de las ideas y que para mí está entre los grandes que pasó por dicha editorial. Obviamente hablo de Jim Steranko, aquel autor completo cuya gráfica innovadora e interesantes guiones consolidaron una etapa de culto con Nick Furia Agente de S.H.I.E.L.D .  Strenranko llega a la colección en reemplazo de Jack Kirby para concretar un arco sencillamente notable, siendo citada por Ed. Brubaker como una de las mejores historias jamás realizadas para este personaje y la reconoce como una de sus principales influencias en su extensa y también destacada etapa con el Cap. Esta breve etapa con Steranko no solo encierra una gran historia y un aporte gráfico a otro nivel, acá hay anécdotas notables (a día de hoy difícil separar lo verídico y lo que es mito), portadas que fueron rechazadas y rupturas de los parámetros establecidos por Stan Lee (lo que conllevó las ya sabidas discusiones entre ambos autores). 

En el Marvel de los 60 si bien es sabido que muchas historias eran trabajadas en su mayor parte por los dibujantes a partir de argumentos básicos de Lee (el mismo Rey Kirby como caso más emblemático) siempre encontré que se notaba mucho la mano de Stan en el trabajo de  los diálogos y en la labor de editor que ejercía este último, donde dejaba claramente impregnado su sello. Es por ello que en este arco que analizaremos es más que evidente el trabajo casi integro llevado por Steranko tanto en el desarrollo de la historia como en los diálogos de este, para que hablar de la línea gráfica donde podemos disfrutar de un autor en su mejor momento, hasta me dio la sensación que la labor de editor de Lee fue mínima en pro de concretar un gran arco.

 La historia, muy ambientada en la corriente de cine negro,  enfatiza mucho más la línea de intrigas y espionaje que tan bien realizaba en la colección de Nick Furia. Esta comienza con un enfrentamiento con Hulk que termina poniendo en serio riesgo a Rick Jones (único amigo del coloso esmeralda) lo cual conlleva a ser cuidado y protegido por el Cap. Para posteriormente, mediante discusiones por medio, Steve Rogers aceptara a Rick como el nuevo Bucky, tema que destaca como pesó las ideas de Steranko, ya que Stan Lee nunca le gustó la idea de los sidekick adolescentes, ya que hasta antes de esta historia Bucky siempre aparecía como recuerdos y flashback, pero nunca en la actualidad de aquella época como si ocurre en este arco. No sólo en esto se queda el sello que imprime Jim en su historia, sino que el gran enemigo a vencer es nada menos que Hydra, organización némesis de Shield y de constante presencia en dicha colección. Donde la nueva dupla debe desarticular un nuevo complot de la agrupación liderada por Madame Hydra donde logran ganar la batalla zafando difícilmente con vida. 

Ya en el número 111 comienza a fraguarse la venganza de Hydra mientras el Cap comienza a intensificar el entrenamiento con Rick para evitar los problemas que tuvieron en su anterior misión, acá el estilo del autor sigue más patentado a través de dobles páginas y reforzado en páginas completas plasmando y narrando en imágenes psicodélicas la angustia e impotencia que siente Rick Jones al sentirse a la sombra de Bucky. Dentro de los constantes atentados que lleva adelante Hydra, donde no podía faltar la batalla contra un hombre-máquina, terminan consiguiendo lo que se proponían.

Desde el número 112 comienzan aparecer interesantes historias que rodean la creación de estos 2 números. Dentro de estas anécdotas está el hecho de que Stan Lee siempre con la presión de las fechas de entrega, le pregunta a Steranko si es capaz de llegar a tiempo con la conclusión de la historia a lo que Jim asegura que si va a llegar. Stan aún con dudas contacta una vez más al siempre eficaz Jack Kirby haciéndole ver que cree que Steranko no llegara a tiempo con la historia por lo que le pide una historia tipo Interludio entre lo narrado en Número 111 con la conclusión que hará llegar Jim. La historia dice que el siempre eficiente Jack Kirby completa el encargo en tan sólo un fin de semana. En dicho capitulo narra la influencia que ha sido el Capitán América tanto en la segunda guerra mundial como en la actualidad en palabras de Tony Stark / Iron Man. Para los iniciados este relato ayuda a conocer más de la historia del personaje y además complementa a la perfección lo detallado en el capítulo “¡El Héroe que Fue!” que fue el número previo antes de que llegase Jim a la colección. Además siendo un buen conductor que calma un poco las aguas para el gran final que nos tiene preparado Steranko.

A todo esto se dice que Jim Steranko si llegó a tiempo con el comic y al ver que Stan no confió en su palabra y publicó el número con Kirby recién mencionado, da por finalizada su participación en la colección, afortunadamente para nosotros concluyó su arco. Esta historia final, nos presenta un importante cambio del personaje y de su identidad civil que todos conocían, somos testigos del traumático origen de Madame Hydra y contamos con la presencia de Los Vengadores y de Nick Furia para el explosivo final de la historia, nuevamente con un desempeño gráfico a otro nivel y una historia que considero que se transformó en un clásico instantáneo y hasta el día de hoy ha envejecido muy bien. Con esto Jim Steranko firma su etapa con letras de oro, donde en mi caso no puedo recordar a otro autor (clásico o contemporáneo) que haya podido hacer historia en una colección con sólo 3 números a su haber.

Hay Vida después de Steranko

Tras la alta vara que dejaron los números anteriores Stan Lee vuelve a tomar las riendas de la colección para cerrar los puntos que no pudieron mostrarse con claridad en la breve pero intensa etapa de Steranko, y lo hace acompañado de 3 leyendas, primero John Romita Sr. Seguido por John Buscema y finalmente con Gene Colan asentándose como dibujante regular de la serie. Acá firman una entretenida y vertiginosa historia de 6 partes que tiene de vuelta a Cráneo Rojo con el Cubo Cósmico, el retorno de los Exiliados, cambio de personalidades entre héroe y villano que hacen pasar complicados momentos al Cap e incluso breves apariciones de I.M.A. y su líder supremo M.O.D.O.K. Además Lee vuelve a imponer su sello librándose a los pocos números de Rick Jones quién gradualmente se va distanciando del protagonista para que su lugar sea ocupado por El Halcón, héroe de color y más edad que el adolescente Jones,  en cuya historia cuenta con su primera aparición para dar comienzo a una nueva y más extensa colaboración con el héroe de las barras y estrellas.

En el último tramo del tomo vemos al cap. Intentando insertarse más en su entorno social, viéndose envuelto incluso en revueltas universitarias, donde sin dejar de lado las aventuras, grandes enfrentamientos y presencia de grandes enemigos y también otros villanos más “común y corrientes” que con menos espectacularidad en sus actos no dejan de ser peores que aquellos a los que enfrenta en forma más regular. Lejos de ese líder carismático que transmite seguridad a sus aliados en Avengers, acá vemos a una persona abatida por las dudas, sintiéndose una vez más un hombre anacrónico cuyos métodos no siempre dan los resultados que busca, en un mundo menos blanco y negro y con muchas tonalidades grisáceas al que nunca estuvo acostumbrado, cayendo en engaños y manipulaciones mentales orquestadas por aquellos mismos a los que considera aliados e incluso amigos. Un mundo donde ser antihéroe resulta mucho más fácil para conseguir sus objetivos.

Como pueden ver este gran tomo de más de 500 páginas publicado por la editorial Panini es un compendio de una década inolvidable del Capitán América, donde prácticamente aparecen todos los aliados y archienemigos que tenía en aquella época y que recomiendo si o si como punto de partida para todos aquellos que ignoran la leyenda que en solitario forjaron con este personaje. Si a eso le agregamos los grandes autores ya nombrados más los excelentes (y siempre subvalorados)trabajos de entintado, principalmente del gran Joe Sinnot, nos encontramos con un tomo que a pesar de su alto valor les recomiendo si o si, ya que aún no es complicado de encontrar.